OMPI, artista filipino Recurriendo a un lenguaje visual afectado por el trauma, la muerte y los propios límites. “Como artista Me sentí obligado a comprender mi propio mundo interior. ¿Por qué pienso como lo hago? ¿Por qué respondo a los estímulos de la forma en que lo hago? El trauma de estar a punto de morir es un estado al que sigo regresando. El recuerdo de haber sobrevivido me hace sentir profundamente agradecido por todo lo que tengo hoy”, afirmó Wipo. El artista contemporáneo radicado en Manila es conocido por su trabajo en diversos campos. La mayoría de los cuales son abstractos y fotográficos. que explora la cuestión existencial de la memoria. Trauma, muerte y curación La Wipo se dio cuenta desde el principio de que él no era un estudiante típico que se esforzaba por lograr logros académicos. Al crecer en los años 90, su verdadera pasión residía en el arte y la cultura pop. Algunas de las influencias culturales de su infancia fueron los personajes de cómics Venom y Spawn, incluso cuando era niño. Ha desarrollado un interés por lo audaz y lo macabro. Nacido en 1989, Wipo es conocido legalmente como Jeff Baligad. Lea: CCP anuncia los nominados para los premios Thirteen Artists Awards 2024. Wipo nació en 1989, también conocido por su nombre legal como Jeff Baligad. en una cómoda familia de clase media. Sus padres dirigían una próspera empresa de plásticos. Era un negocio familiar que se vio abruptamente paralizado debido al consumo de drogas de su padre. Los cierres de empresas tuvieron un impacto inmediato y profundo, obligando a la OMPI a aprender rápidamente el significado de coraje y flexibilidad. Adaptándose a una vida en la que apresurarse se ha convertido en una habilidad de suma importancia. Esto es diferente a muchos artistas visuales que toman cursos de arte de estudio en escuelas de arte. Vipo optó por estudiar publicidad en la universidad. Su rudo despertar se produjo cuando se dio cuenta de que las menguantes finanzas de su familia ya no podían sustentar su educación. Vipo lucha con sus opciones de vida. Especialmente su trayectoria profesional. Sabiendo que hay pocas posibilidades de cometer un error. La pérdida del negocio familiar marcó un momento de cambios para él. Esto es especialmente cierto en lo que respecta a la decisión de estudiar en la universidad. Su situación significa que la única manera de avanzar es tener participación en el juego. Se preguntó: ¿Vale la pena arriesgar mi pasión por el arte? Un avance rápido hasta el día de hoy, Wipo, conocido por su fotografía dinámica que explora su filosofía personal sobre el trauma, la memoria y la curación, se ha labrado un espacio dentro de la próspera escena del arte local en su exposición individual más reciente, “Mula sa Bituin Hanggang Buto”. en Blanc Gallery y su participación en la exposición colectiva “On The Self” en Faculty Project muestran obras que revelan sus provocativas exploraciones dentro del vocabulario artístico de su imagen en desarrollo. En esta conversación, reflexiona sobre la creación de un lenguaje visual en respuesta a los desafortunados acontecimientos de su vida y lo que significa el poder transformador de transformar el trauma en un lenguaje de liberación y gratitud. ¿Quién es Vipo? Soy pintor y fotógrafo. Mi nombre es Vipo, que es el nombre que acuñé de la palabra «El poder de la voluntad» después de sobrevivir a un accidente automovilístico en 2014 Mi nombre legal es Jeff Balikad Early Works El mío representa la silueta humana utilizando técnicas pictóricas expresionistas. Mis obras actuales son menos representativas y transmiten una sensación de movimiento como resultado de un fuerte e intenso compromiso con mis vísceras utilizando el color como medio. El lenguaje visual de Vipo tiene sus raíces en la abstracción. Mi trabajo es la investigación. exploración de identidad y un reflejo de mis sentimientos de ser Religión de las primeras obras El mío surgió de las figuras fantasmales y sin rostro de mis sueños. lo cual es quizás una proyección del propio subconsciente. Con mi proceso y vocabulario visual. Me sentí impulsado a seguir esta figura inquietante. y tratar de descubrir algo más profundo Es decir, encontrarse a uno mismo. y en el medio Más cerca del borde de quien soy Mi experiencia cercana a la muerte tuvo un impacto fundamental en la forma en que me veo a mí mismo como artista y como persona. Leer: Una década después, la familia de artistas Santos volvió a exponer junta. ¿Cómo te convertiste en artista de estudio a tiempo completo? Mi camino no fue fácil ni sencillo. Estudié Bellas Artes con énfasis en Publicidad en la Universidad del Este. Pero tuvo que tomarse un descanso de tres semestres debido a desafíos personales. Cuando estaba en mi segundo año. Sabía que mi familia no podía pagar la matrícula después de que nuestro negocio colapsara debido a la adicción a las drogas de mi padre. Hice una audición para TVC y conseguí un papel con Parokya Ni Edgar. También trabajé como fotógrafo para Inno Sotto, lo que me ayudó a volver a la escuela y financiar una beca de arte. Luego, me uní al equipo de diseño gráfico al que eventualmente fui. quebrado. En aquel momento no entendía el arte contemporáneo. ningún asesor y no veía ser un artista a tiempo completo como una carrera potencial. Lo que sí sé es que amo el arte, los dibujos animados y las ilustraciones, tanto que compré mi primera obra de arte con mi primer salario. En su proceso, Wipo utiliza su relación interior con el color como material. Mi viaje ha estado definido por mi determinación de superar los obstáculos. y mi práctica de estudio contó con el apoyo de amigos cercanos, incluidos Pam Quinto, Miguel Lorenzo Uy, Celine Lee y Jed Gregorio. Aunque mi camino para convertirme en artista de tiempo completo no fue convencional, Pero estoy extremadamente agradecido de poder hacer lo que estoy haciendo ahora. ¿Cuál fue la experiencia más importante de tu vida que tuvo un profundo impacto en tu creación artística? Enfrentar la muerte cambió mi práctica artística. incluyendo los conceptos, lecturas y preguntas que me hago. El arte se ha convertido en mi ancla como ser humano y el vehículo a través del cual enfrento preguntas existenciales: ¿Por qué estoy vivo hoy? ¿Por qué estoy aquí? Como artista, me siento obligado a comprender mi propio mundo interior. ¿Por qué pienso como lo hago? ¿Y por qué respondo a los estímulos como lo hago? El trauma de casi morir es un estado al que sigo regresando. El recuerdo de sobrevivir me hace sentir profundamente agradecido por todo lo que tengo hoy. Durante dos años luché contra el trastorno de estrés postraumático debido a un accidente automovilístico. Mi padre me regaló un libro sobre el budismo. Estoy luchando mucho con la vida. Y aunque mis creencias religiosas se han nublado con los años, Pero su comportamiento afectuoso y servicial me tranquilizó. “Pinté el capó del auto usando pigmento blanco y negro sobre rojo, el mismo color que el auto en el que estaba en el momento del accidente. Esta obra es a la vez una pintura y un objeto. pintor y escultor”, dice Vipo. Foto de Patrick de Veyra ¿Cómo afectó su experiencia cercana a la muerte su proceso creativo? Tenía miedo de perder mi capacidad de recordar; atormentado por el miedo a las lagunas de memoria y la amnesia, comencé a llevar diarios interminables y a documentarlo todo a través de fotografías. Creé un sistema para ayudarme a sanar lo más posible. Esta se convirtió en mi respuesta a la muerte. Su última exposición individual, “Mula Bituin Hanggang Buto” en Blanc Gallery, aborda un accidente automovilístico. Cuéntanos más al respecto “Mula Bituin Hanggang Buto” es un programa sobre la gratitud. Durante la última década He visto muchas cosas, las buenas, las malas y las trágicas. y crear arte que me sane Parece motivo suficiente para estar agradecido. en esa actuación Pinté el capó del auto usando pigmento blanco y negro sobre la misma pintura roja que el auto en el que estaba cuando ocurrió el accidente. Esta obra es a la vez una pintura y un objeto. tanto pintor como escultura Combinando objetos encontrados con gestos abstractos. Por tanto, puedo transmitir experiencias psicológicas concretas. Transmití la sensación de la colisión lanzando el cofre que hice sobre el capó. Esto crea depresiones y rayones en la superficie que crean una sensación de violencia controlada. “Dimensiones” de Wipo para la exposición colectiva “On The Self” en el proyecto de la facultad, decidí incluir un busto que creé en “On The Self”. el grupo en el Proyecto Facultad Si bien la pintura del capó de un automóvil se puede encontrar en mi exposición individual en Blanc., para mí las dos obras que abordan este concepto actúan como un vínculo que conecta las dos exposiciones. Ambos exploran temas curatoriales similares. ¿Puedes contarnos más sobre tu lenguaje visual como artista? Me gusta pensar que mi lenguaje visual se crea a través de la exploración. «Liberación» – Liberación de mi ego y comprensión preconcebida Wipo, Jason Montinola, Patrick de Veyra, Julieanne Ng, Gio Panlilio y RG Gabunada durante la ceremonia de apertura de «On The Self» en el Programa de la Facultad Lea: Actuación Muestra de arte de Singapur de enero destaca el arte del sudeste asiático. ¿Por qué tu vocabulario visual tiene sus raíces en la abstracción, verdad? Porque la imagen representativa no puede transmitir plenamente los sentimientos que espero expresar. A menudo me pregunto: ¿Qué es ese sentimiento de miedo, de soledad, o como yo lo llamo? El «punto mágico» es el espacio entre el punto óptimo y el punto débil. Estos puntos mágicos para mí. Refleja las experiencias de mi infancia de quedarme solo sin adultos a quienes pedir ayuda. Cuando mi madre fue víctima de un corredor ilegal La abstracción me permite hablar de Estos «puntos mágicos» se pueden capturar de una manera que parezca más directa y directa. La escultura “Dimensiones” de la OMPI, parte de la exposición colectiva “On The Self”, en la que creadores abstractos como Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Jackson Pollock y Mark Rothko lidian con las preocupaciones oficiales de desarrollar su lenguaje visual. ¿Cuáles son tus preocupaciones formales como abstraccionista? Energía y movimiento. Mi trabajo tiene como objetivo capturar el flujo de energía que fluye de mis experiencias psicológicas. Especialmente el trauma y la liberación de mi propio ego. A veces me pregunto si la abstracción en el contexto de la pintura puede capturar plenamente lo que quiero transmitir en todas sus formas de representación en la pintura. Lo abstracto todavía ofrece la forma más cercana de expresar estos flujos internos. Me ayudó a visualizar la intensidad y el movimiento que sentía. Aunque no capta toda su complejidad y profundidad, Julie Mehretu dice: «Estoy realmente interesada. en los elementos mutables de la abstracción”. Si dejaras una cita sobre la esencia de tu trabajo, ¿Cómo estaríamos «simplemente preguntándonos»? Incluir quién soy y en qué digo creer es esencial para mi proceso creativo. Mis dudas me mantienen firme y honesto. ¿Quiénes son tus tres artistas favoritos? Ling Quisumbing Ella me enseñó a seguir produciendo hasta encontrar mi propio lenguaje visual. Roberto Chabet, padre del arte conceptual en Filipinas. Realmente admiro su legado. La obra de Frank Stella, que vi en persona en Singapur hace muchos años. Me ayudó a entender más el arte. Me mostró infinitas posibilidades más allá de lo que originalmente consideraba arte en ese momento. Imagen detallada de la obra de arte de la OMPI ¿Qué te hace feliz? Mirar al cielo me hace feliz. Vivir me hace feliz. la vida me hace feliz ¿Por qué eres artista? Porque el arte es la liberación de todo lo que pasa dentro de mí. Me permitió revelar mi propia historia humana. Foto de Patrick de VeyraWipo La exposición individual “Mula sa Bituin Hanggang Buto” se inaugura en la Blanc Gallery el 1 y 9 de noviembre de 2024.
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